MAÍRA MAFRA: Impregnações - A pele da cidade
7 Setembro - 13 Outubro 2024 Curadoria de Margarida Bezerra Bastos
7 September - 13 October 2024
Curated by Margarida Bezerra Bastos[PT]
Após dois meses em residência artística com a Galeria Municipal do Porto no Centre de Création Contemporaine Olivier Debré, em Tours, França, Maíra Mafra apresenta “Impregnações - A Pele da Cidade”, uma releitura da exposição “Impregnations” (apresentada em Tours) a partir da curadoria de Margarida Bezerra Bastos. Em sua prática artística, Maíra reflete sobre práticas de habitar humanas e não humanas em coexistência, questionando a separação corrente entre as ideias de “natureza” e “cidade”, em busca de uma ecologia sensível que leva em conta o ambiente construído. Em “Impregnações”, a artista partilha suas observações e contemplações através de frottages e de peças que utilizam materiais encontrados no ambiente do Centre-Val de Loire, como o barro, “chatons de peuplier” (amentilhos de choupo branco da região) e teias de aranha.
Com apoio da Galeria Municipal do Porto e Ágora - Cultura e Desporto do Porto, E.M., S.A., no âmbito do programa de Residência no Centre de Création Contemporaine Olivier Debré.
Inauguração: Sábado, 7 de Setembro, 17h às 19h
Artist talk mediada pela curadora: Quinta-feira, 3 de Outubro, 18h às 19h
Atividade/workshop: Sábado, 5 de Outubro, 15h
Fim da exposição: Sábado, 13 de Outubro, 17h às 19h
MAÍRA MAFRA
Rio de Janeiro, 1991. Luso-Brasileira, licenciada em Ciências Sociais pela UFRJ. Vive e trabalha no Porto, é mestranda em Artes Plásticas/Escultura na Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto. Tem vindo a desenvolver a sua pesquisa artística em torno de práticas de habitar humanas e não humanas, simbioses, urbanismo, higienismo e a questão da habitação. Questiona as fronteiras entre natureza e cultura, organismo e ambiente, rural e urbano, paradigmas do Antropoceno que busca superar através de uma ecologia sensível. Participou de várias exposições colectivas como “Ensaios de uma Coleção” (Galeria Municipal do Porto), “Chão que Pega” (Junta de Freguesia do Bonfim), “The Midsummer Exhibition” (The Largo Concept Hotel). Está representada na The Largo Permanent Collection of Art e na Coleção Municipal de Arte do Porto.
mairamafra.hotglue.me
[EN]
After a two-month artistic residency with Galeria Municipal do Porto at the Centre de Création Contemporaine Olivier Debré in Tours, France, Maíra Mafra presents ‘Impregnations - The Skin of the City’, a reinterpretation of the exhibition ‘Impregnations’ (presented in Tours) under the curatorship of Margarida Bezerra Bastos. In her artistic practice, Maíra reflects on human and non-human dwelling practices in coexistence, questioning the current separation between the ideas of ‘nature’ and ‘city’, in search of a sensitive ecology that takes the built environment into account. In ‘Impregnations’, the artist shares her observations and contemplations through frottages and pieces made from materials found in the Centre-Val de Loire environment, such as clay, ‘chatons de peuplier’ (white poplar catkins from the region) and cobwebs.
Supported by Galeria Municipal do Porto and Ágora - Cultura e Desporto do Porto, E.M., S.A., as part of the residency programme at the Centre de Création Contemporaine Olivier Debré.
Opening: Saturday 7 September, 5pm to 7pm
Artist talk mediated by the curator: Thursday 3 October, 6-7pm
Activity/workshop: Saturday 5 October, 3pm
End: Saturday 13 October, 5-7pm
MAÍRA MAFRA
Rio de Janeiro, 1991. Luso-Brazilian, and a graduate in Social Sciences from UFRJ. Currently lives and works in Porto, and is a master's student in Fine Arts/Sculpture at the Faculty of Fine Arts of the University of Porto. Maíra has been developing her artistic research around human and non-human living practices, symbiosis, urbanism, hygiene and the issue of housing. Her work questions the boundaries between nature and culture, organism and environment, rural and urban, paradigms of the Anthropocene that it seeks to overcome through a sensitive ecology. She participated in several group exhibitions such as “Ensaios de uma Coleção” (Galeria Municipal do Porto), “Chão que Pega” (Junta de Freguesia do Bonfim), “The Midsummer Exhibition” (The Largo Concept Hotel). Her work is represented in The Largo Permanent Collection of Art and the Porto Municipal Art Collection.
mairamafra.hotglue.me
20 Julho - 25 Agosto 2024
20 July - 25 August 2024
PV Saturday 20 July, 5 - 7 pm
Photo credit: Ana Carvalho dos Santos
[PT]
Tudo começa numa procura incessante por conexão, ou pelo mero calor, por alguma rede ou veículo de comunicação, que nos afaste deste lugar recluso.
Após a criação de algo que parecia tão figurativo, objetivo e tátil, Rita Castanheira rompe, literal e figurativamente, com estes elementos do seu trabalho. Estes agora permanecem num espaço em perpétua desintegração e esquecimento. O que vivia neste ciclo vicioso, os rostos, as espirais, as vozes, as cores, os materiais, vão perdendo a sua essência, a sua informação, a sua forma, a sua cor e até o seu cheiro, dissolvendo-se em fragmentos dispersos.
Agora, neste refúgio temporário, a artista deixa-nos os restos que sobreviveram. Os tais fragmentos que nos falam de um colossal sentimento de alienação e interrogação, de coisas aparentemente perdidas na memória dos dispositivos, submersas e encapsuladas, estilhaçadas entre os visores, os cabos e placas queimadas, talvez esquecidas e enterradas no desconhecid
Chegamos, então, a um universo disforme. Entre manchas e tecidos sintéticos, a obra da artista repele aquilo que a assombra e fere. As formas espirais agora racham e fragmentam-se, aludindo ao fim de um ciclo e a ligações que se perderam,
ainda sem sinal, incomodada, ausente, desolada, ansiosa, pensativa, desfigurada, convida-nos a observá-la e a sermos observados, através de luzes artificiais, barreiras transparentes e ruído. Talvez indefinitivamente, vamos aqui encontrá-la isolada num espaço inexistente, virtual, solitário, somente acompanhada por outra versão (digital) de si própria, aprisionada, e novamente a voz falha
iremos continuar à espera d quando
ela questiona se vive ou consegue viver para além da impossibilidade de desconexão
permanentemente desligada de uma rede de informação físico e
arrependimento, ilusão discórdia E
O que antes se mantinha concentrado e unido, agora desconectado, ausente mas
nada
E no último momento,
Texto por Mauro Santos Gonçalves, 2024
Graphic Design do Poster: Luís Luzia
RITA CASTANHEIRA
Rita Castanheira (n.1996, Coimbra) é uma artista portuguesa que vive e trabalha atualmente entre o Porto e Londres. Em 2018 licenciou-se em Artes Plásticas - Multimédia na Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto, e completou o mestrado em Fine Art na Chelsea College of Arts em 2020. A artista utiliza novos media em conjugação com performance, instalação e variadas técnicas têxteis.
O seu trabalho permanece no limiar entre o virtual e o que é o objeto, recorrendo, por exemplo, ao uso de avatares, dispositivos tecnológicos e formas de comunicar típicas do discurso da internet. Tem vindo a expor o seu trabalho desde 2016. Participou em exposições colectivas em Portugal e no Reino Unido, tais como: “Feminino de Ninguém” no Espaço Mira (Porto, 2024), “Houseshare” em Firstsite Colchester (Colchester, 2021), “Late at Tate: Time” no Tate Britain (Londres, 2019) e “Time-Lapse” na CAVE Solar Art Gallery (Vila do Conde, 2017).
www.rita-castanheira.com
[EN]
It all starts with a constant search for connection, or for mere heat, for some network or vehicle of communication, that takes us away from this reclusive place.
After creating something that seemed so figurative, objective and tactile, Rita Castanheira breaks, literally and figuratively, with these elements of her work. These now remain in a space of perpetual disintegration and oblivion. What lived in this vicious cycle, the faces, the spirals, the voices, the colors, the materials, lose their essence, their information, their shape, their color and even their smell, dissolving into scattered fragments.
Now, in this temporary refuge, the artist leaves to us the surviving remains. These fragments tell us of a colossal feeling of alienation and interrogation, of things lost in the memory of the devices, submerged and encapsulated, shattered between the displays, the burned cables and plates, perhaps forgotten and buried in the unknown
We then arrive at a deformed universe. Between stains and synthetic fabrics, the artist's work repels what haunts and hurts her. The spiral shapes now crack and fragment, alluding to the end of a cycle and connections that have been lost,
still without a signal, uncomfortable, absent, desolate, anxious, pensive, disfigured, it invites us to observe it and to be observed, through artificial lights, transparent barriers and noise. Perhaps indefinitely, here we will find her isolated in a non-existent, virtual, solitary space, only accompanied by another (digital) version of herself, imprisoned, and again the voice fails
we will continue to wait for when
she questions whether she lives or can live beyond the impossibility of disconnection
permanently disconnected from an information network physical and
regret, illusion discord And
What once remained concentrated and united, now disconnected, absent but
nothing
And at the last moment,
Text by Mauro Santos Gonçalves, 2024
Poster Graphic Design: Luís Luzia
RITA CASTANHEIRA
Rita Castanheira (b.1996) is a Portuguese artist living and working between Porto and London. She completed her studies in Fine Art Multimedia at Faculty of Fine Arts of the University of Porto in 2018 and earned her master’s degree from Chelsea College of Arts in 2020. The artist uses new media alongside performance, installation and various textile techniques.
Her work remains on the threshold between the virtual and what is the object, resorting, for example, to the use of avatars, technological devices and forms of communication typical of internet discourse. She has been exhibiting her work since 2016. She has participated in group exhibitions in Portugal and the United Kingdom, such as: “Feminino de Ninguém” at Espaço Mira (Porto, 2024), “Houseshare” at Firstsite Colchester (Colchester, 2021), “Late at Tate: Time” at Tate Britain (London, 2019) and “Time-Lapse” at CAVE Solar Art Gallery (Vila do Conde, 2017).
www.rita-castanheira.com
INÊS MENDES: Sincretisma
1 Junho - 7 Julho 2024 Curadoria de Pedro Moreira
1 June - 7 July 2024
Curated by Pedro MoreiraPhoto courtesy: Inês Mendes
Um vaso vazio é carregado em pernas de ferro no topo de uma colina que se eleva sobre uma paisagem rural, cujas cenas guardam memórias de herança, tradição, devoção e sacrifício. Nesta colina, há uma fonte originada de uma lenda que, embora inacreditável, se enraíza nas mentes daqueles que habitam estas terras. Este tipo de ideias propaga-se facilmente, pois são antigas e sempre recontadas; é muito mais difícil introduzir algo aos ouvidos cansados que ainda não tenha sido dito.
Uma série de imagens adorna o vaso; isto é comum para artefactos desta natureza, mas as usadas pelo nosso protagonista de pernas de ferro representam uma linguagem que é uma reinterpretação do antigo, tornando-o assim novo. Elas contêm um enigma que conta as lutas das mulheres num âmbito de tradição arcaica, como meio tanto para nutrir como para destruir. Imagens e palavras semelhantes às de rituais cansados que promovem valores destinados a servir apenas aqueles que os criam, mas que procuram ter o efeito oposto. Talvez um ato de sacrilégio, ou as palavras iluminadas de um hierofante sentado num trono de novo conhecimento, graciosamente resgatando a beleza que ainda permanece na história não tão antiga, mas opressiva, desta terra.
A água da colina, que por sua vez nasceu das lendas, agora enche o vaso até a borda. O vaso tornou-se consideravelmente mais pesado, e a tensão é cada vez mais sentida nas pernas de ferro, fazendo com que se dobrem sob o peso que carregam.
Texto de Pedro Moreira
www.pedmoreira.com
INÊS MENDES
(Felgueiras, 2000) licenciada em 2022 em Artes Plásticas, Multimédia na FBAUP. Artista multidisciplinar que atualmente reside e trabalha no atelier Mufla no Porto. A artista trás da sua educação a procura por traduções artísticas multidisciplinares. Foca-se no uso de materiais como o ferro e a cerâmica, permitindo-lhe revisitar histórias do familiar, do quotidiano e do tradicional. Recentemente participou em exposições coletivas como “Premiere” no Centro de Arte Contemporânea de Meymac (2022) e Centro de Arte Oliva (2023); e “As memórias dos Outros” no Teatro Municipal da Guarda (2024).
www.inesmendes.com
An empty vessel is carried on legs of iron atop a hill that towers over a rural landscape, one whose sceneries hold within them memories of heritage, tradition, devotion, and sacrifice. On this hill there is a fountain, birthed by a tall tale that, although unbelievable, embeds itself into the minds of those that inhabit these lands. These types of ideas are easy to propagate, because they are old and forever retold, it is much more of an ordeal to introduce something to these fatigued ears which has not been spoken.
A series of images adorn the vessel, this is commonplace for artifacts of this nature, but the ones used by our iron legged protagonist depict a language which is a reimagining of the old, making it in turn new. They hold an enigma which tell the struggles of the femme in a sphere of archaic tradition, as a means to both nurture and destroy. Images and words akin to those of tired rituals that promote values intended to serve only those who create them, but that strive to have the opposite effect. Perhaps an act of sacrilege, or the enlightened words of a hierophant sitting on a throne of new knowledge, gracioisly salvaging the beauty that still remains in this land’s not-so-ancient but oppressive history.
The water from the hill which was in turn birthed from the tall tales now fills the vessel to the brim. The vessel has become considerably heavier, and the strain is increasingly felt on the Iron legs, causing them to bend over the weight they carry.
Text by Pedro Moreira
INÊS MENDES
(Felgueiras, 2000) graduated in 2022 in Fine Arts - Multimedia in FBAUP. Mendes is a multidisciplinary artist based in porto, currently working at Mufla atelier. The artist brings from her education the search for multidisciplinary artistic translations. Focused manily on the use of metal and ceramic, materials that allow us to revisit stories of the quotidian, the tradicional, and the familiar. Mendes recently took part in various group exhibition such as “Premiere” at Meymac Contemporary Art Center (2022) and Oliva Art Center (2023), and “As memórias dos Outros” at Teatro Municipal da Guarda (2024).
www.inesmendes.com
PEDRO MOREIRA
Pedro Moreira is a queer artist whose work is contextualised within the language of creationism and its parallels with virtually terraformed landscapes such as videogames and social media, exploring the relationship between the idealization of virtual spaces and theological or mythological/ utopian phenomenology. Using the method of world-building as a narrative tool, Moreira’s research materialises through their multidisciplinary practice in the form of videos, installations, performances, and sculptures, usually retaining some level of interactivity. Pedro is interested in trying to portray constructive fantasies as mirrors to reality through relative fiction. The acknowledgement of one’s own existence in a virtual and imaginary environment and how this impacts our biology is Pedro’s preferred philosophical point of focus.
www.pedmoreira.com
ANGELINA NOGUEIRA: SITUS
20 Abril 2024 - 27 Maio 2024 Abertura Sexta 20 Abril, 17h00 - 19h00
20 April - 27 May 2024
PV Friday 20 April, 5 - 7 pmPhoto courtesy: Jorge Filipe Silva
[ PT ]
Há vários anos que as pedras constituem um dos focos centrais do trabalho de Angelina Nogueira. Em passeios pelas serras e montanhas do país, especialmente pela serra de Valongo – terra que a viu crescer – Angelina recolhe pedras de diferentes tamanhos e feitios, com o objetivo de as utilizar na sua prática artística. O peso, a dureza, a volumetria, o atrito ou a densidade das pedras foram exploradas em obras anteriores, como aquela, para citar apenas um exemplo, que cobriu o chão do Espaço Campanhã de basalto, criando uma atmosfera inaudita.
A presente exposição apresenta obras que inauguram uma nova aproximação da artista com este universo: ausentes, na sua materialidade, do espaço expositivo, as pedras tornam-se agora ferramenta e processo. Tudo o que está presente na exposição – com exceção dos suportes, compostos por tecido de algodão, linho ou papel – foi desenvolvido através da exploração extensiva das potencialidades das pedras enquanto elemento plástico, ora diretamente utilizadas sobre o suporte, ora trituradas para a realização de pigmentos. Mas não se pense em assumir que a originalidade destas obras se encontra na produção de pigmentos naturais, algo que, de resto, tem vindo a ser feito em diferentes períodos da história da arte. A sua abordagem ao universo lítico deve ser entendida num contexto mais alargado: o recurso às pedras integra um processo holístico de aproximação não à serra propriamente dita, mas às sensações que a artista experiencia nesses espaços “naturais”, e que procura reativar no espaço expositivo. Não por acaso, a artista recusa a classificação “desenho ou pintura” para as obras que aqui se expõem. Aproximando-se das artes performativas, pretende que as suas obras sejam capazes de criar lugares ou atmosferas, procurando trazer para o espaço expositivo a energia que encontra no lugar de origem das pedras, os espaços montanhosos.
Quando visitei o atelier da Angelina, ela falava-me repetidamente das pedras duras e das pedras moles. Só mais tarde percebi que esta divisão não obedecia a qualquer categoria científica, antes se constituía como uma classificação desenvolvida pela própria, fruto da sua relação continuada com as pedras. Dir-se-ia que a artista tem vindo a engendrar uma espécie de arqueologia poética, em que os processos de recolha e seleção das pedras, a sua documentação plástica, a exploração da sua dureza e maleabilidade, o potencial dos seus pigmentos – e reparem na surpreendente diversidade de tonalidades que as pedras recolhidas possibilitam – obedecem não às leis científicas mas às da sensibilidade artística.
Escrevi, noutro lugar, sobre o que denominei de “viragem rural” da criação artística contemporânea. Também a obra da Angelina pode ser enquadrada nesta categorização. É justo lembrar, porém, que esta temática não é, no seu caso, uma cedência a uma moda do instante; a exploração das histórias e dos habitantes da serra, humanos e não-humanos, têm ocupado a criação da autora desde 2015. Nesta exposição, vemos que essa relação alcança uma nova etapa.
Texto por Maria Manuela Restivo
ANGELINA NOGUEIRA
É artista visual, vive e trabalha no Porto. Trabalha
essencialmente nos domínios da instalação e
performance através de conceitos como matéria,
natureza memória e ficção. Licenciada em Artes
Plásticas e Intermédia, mestre em Práticas Artísticas
Contemporâneas e Pós-graduada em Performance,
expõe individual e coletivamente desde 2014.
Colaborou com Entretanto Teatro e SINTOMA e
lecionou artes visuais no Colégio de Benguela
(Angola). Desde 2019 colabora em serviços
educativos e projetos artísticos com comunidades.
Desenvolve pesquisa artística a partir do território
geológico das Serras do Porto.
angelinanogueirawork.wixsite.com/work
MARIA MANUELA RESTIVO
É antropóloga, investigadora e curadora. Licenciada
em Antropologia pela Universidade de Coimbra,
mestre em Museologia pela Universidade do Porto e
doutorada em Estudos de Património – História da
Arte pela mesma universidade, através de uma bolsa
de estudos da FCT (2017-2022). Em 2016 fundou o
projeto Arte Popular de Ana a Zé, dedicado à
documentação da arte popular portuguesa. Dedica-
se aos patrimónios e às práticas artísticas
vernaculares, que divulga através de textos, projetos
e exposições. Atualmente é professora assistente
convidada na Escola Superior de Educação.
www.alhures.org
[ EN ]
For several years now, stones have been at the centre of Angelina Nogueira's work. She collects stones of different sizes and shapes during walks through the country's hills and mountains, particularly in the hills of Valongo where she grew up, to use them in her artistic practice. In her previous works, she has explored the weight, hardness, volume, friction, and density of the stones. For instance, she covered the floor of Espaço Campanhã with basalt in one of her works, creating a unique atmosphere.
This exhibition presents works that inaugurate a new approach by the artist to the lithic universe: the stones, which are absent in their materiality from the exhibition space, become a tool and a process. The entire exhibition - except for the supports made of cotton fabric, linen or paper - was developed through extensive exploration of the potential of stones as a plastic element. The stones were sometimes used directly on the support and sometimes crushed to make pigments. But don't assume that the originality of these works lies in the production of natural pigments, as this has been done in different periods of art history. The artist’s approach to the lithic universe must be understood in a broader context: the use of stones is part of a holistic process of getting closer not to the mountains themselves, but to the sensations that the artist experiences in these "natural" spaces, which she seeks to reactivate in the exhibition space. It is worth noting that the artist refuses to classify the works on display here as "drawings or paintings". Instead, moving closer to the performing arts, she wants her works to be able to create places or atmospheres, bringing the energy she finds in the place where the stones come from, the mountainous spaces, into the exhibition space.
During my visit to Angelina's studio, she repeatedly spoke to me about hard stones and soft stones. Later, I realized that this classification was not based on scientific categories but was developed by the artist herself due to her ongoing relationship with stones. It could be said that the artist has been creating a kind of poetic archaeology, in which the processes of collecting and selecting the stones, their plastic documentation, the exploration of their hardness and malleability, the potential of their pigments - and look at the surprising diversity of shades resulting from the collected stones - obey not scientific laws but those of artistic sensibility.
I've written elsewhere about what I've called the "rural turn" in contemporary artistic creation. Angelina's work can also be categorized in this way. However, it is important to note that this theme is not, in her case, yielding to a current trend; Angelina has been exploring the stories and lives of the mountain’s inhabitants, both human and non-human, since 2015. This exhibition showcases the evolution of her relationship with this theme, bringing it to a new level.
Text by Maria Manuela Restivo
ANGELINA NOGUEIRA
Visual artist, lives and works in Porto. She works
mainly in the fields of installation and performance
through concepts such as matter, nature, memory
and fiction. With a degree in Fine Arts and
Intermedia, a master's in Contemporary Artistic
Practices, and a postgraduate degree in
Performance Art, has been exhibiting individually
and collectively since 2014. She has collaborated
with Entretanto Teatro and SINTOMA and taught
visual arts at Colégio de Benguela (Angola). Since
2019, she has collaborated in various educational
services and artistic projects with communities. She
develops artistic research based on the geological
territory of the Serras do Porto.
angelinanogueirawork.wixsite.com/work
MARIA MANUELA RESTIVO
Is an anthropologist, researcher and curator. She
has a degree in Anthropology from the University of
Coimbra, a master's degree in Museology from the
University of Porto and a PhD in Heritage Studies -
History of Art from the same university, through an
FCT scholarship (2017-2022). In 2016 she founded
the Arte Popular de Ana a Zé project, dedicated to
documenting Portuguese popular art. She is
dedicated to heritage and vernacular artistic
practices, which she disseminates through texts,
projects and exhibitions. She is currently a visiting
assistant professor at the School of Education.
www.alhures.org
EMA PINA: Aerossóis
8 Dezembro 2023 - 14 Abril 2024
Abertura sábado 8 Dezembro, 15h00 - 18h00
8 December - 14 April 2024
PV Saturday 8th December, 3 - 6 pmPhoto courtesy: Ema Pina
[ PT ]
Aerossol é um sistema de suspensão de finas partículas sólidas ou líquidas no ar ou outro gás. Um aerosol pode ser natural ou antropogênico. O termo refere-se geralmente à mistura da partícula e do ar, não somente à matéria da partícula sozinha. Os aerossóis flutuam ou repousam, podem ser inalados ou exalados, atravessam e incorporam.
Em ‘Aerossóis’, uma exposição de pinturas recentes de Ema Pina, a artista apresenta artefactos, corpos e natureza como parte de um sistema de relações que, tal como a atmosfera que os integra, muitas vezes é sentido sem se ver. A superfície de cada coisa ou corpo é tratada como zona porosa de interação, não como limite confinante. Nestes trabalhos, Pina manipula texturas, luz, forma, cor e escala em composições que procuram sublinhar o papel da imaginação no despertar da sensibilidade, na revelação de verdades ocultas e na articulação da existência partilhada de agentes humanos e não-humanos enquanto fenómeno cósmico.
Na sua obra, Pina negoceia híbridos de coisa, natureza e corpo para reificar aspetos do pensar, do sentir e do desejar, sublimando a matéria em paisagens psico-sensoriais. Ganhando forma a partir de desenhos, de observações e de registos digitais, os seus trabalhos giram em torno da experiência da interioridade, da subjetividade e da (des/)incorporação da cognição e da senciência. Interessa-lhe o modo como se experiencia a vida a partir de si-mesmo, e a medida em que o mundo (i/)material envolvente produz subjetividades, no momento atual em que o digital, o físico e o biológico coalescem. Girassóis de olhos arregalados, objetos quotidianos deslocados e corpos infláveis povoam as suas obras, complicando distinções entre o orgânico e o artificial, realidade e ficção, agência e inércia, desejo e controlo.
EMA PINA
Ema Pina (n. 1984, Porto) licenciou-se em Belas Artes pela Central Saint Martins da Universidade de Artes de Londres (2014) e em Economia pela Faculdade de Economia do Porto (2006). Exposições recentes incluem ‘Denominadores Comuns’ (H. Flôr de Sal, PT), ’Compras Isto?’ (Ugly Duck, UK), ‘Através de um Ecrã Escuro’ (Sensei Gallery, UK), ‘O Futuro é Feminino’ (Centro de Artes La Porte Peinte, FR) e ‘Lynn Painter-Stainers Prize’ (The Mall Galleries, UK). Projetos de curadoria incluem ‘Aqui Então, Eu Estava / Aqui Agora, Eu Estou' e ‘Sensores do Vazio’ (ambos em Thames-Side Studios, UK). O seu trabalho foi premiado com o Kate Barton Award (2014), o Brian Botting Prize (2015), o Clyde & Co Art Award Collection (2015), o Eaton Fund (2019) e o programa de mentoria editorial da Hedera Felix (2020).
www.emapina.com
[ EN ]
Aerosol is a suspension system of fine solid or liquid particles in air or another gas. An aerosol can be natural or anthropogenic. The term often refers to the mixture of the particle and the air, as opposed to the particle’s matter alone. Aerosols linger afloat or rest upon, can be inhaled or exhaled, traverse and incorporate.
In ‘Aerosols’, an exhibition of recent paintings by Ema Pina, the artist presents artefacts, bodies and nature as part of a system of relations which, much like the atmosphere that surrounds them, is often felt but unseen. The surface of each thing or body is treated as a porous zone of interaction, as opposed to a confining limit. In these works, Pina focuses on textures, light, shape, colour and scale, to highlight the role of imagination in awakening sensitivity, in revealing hidden truths, and in articulating the shared existence of human and non-human agents as cosmic phenomena.
In her practice, Pina negotiates hybrids of artefact, nature and body to reify aspects of thinking, feeling and longing, sublimating matter into psycho-sensorial landscapes. Taking shape from drawings, observations and digital records, her works revolve around the experience of interiority, subjectivity, and the (dis/)incorporation of cognition and sentience. She is interested in the way one experiences life from within oneself, and the extent to which the surrounding (i/)material world produces subjectivities, at a time when the digital, the physical and the biological coalesce. Wide-eyed sunflowers, displaced everyday objects and inflatable bodies populate her works, complicating distinctions between the organic and the artificial, reality and fiction, agency and idleness, desire and control.
EMA PINA
Ema Pina (b. 1984, Porto) graduated in Fine Art from Central Saint Martins, University Arts London (2014), and in Economics from the Faculty of Economics of the University of Porto (2006). Recent exhibitions include ‘Common Denominators’ (H. Flôr de Sal, PT), ’Do You Buy This?’ (Ugly Duck, UK), ‘Through a Screen Darkly’ (Sensei Gallery, UK), ‘The Future is Female’ (Arts Center La Porte Peinte, FR) and ‘Lynn Painter-Stainers Prize’ (The Mall Galleries, UK). Curatorial projects include ‘Here then, was I / Here now, am I' and ‘Void Feelers’ (both at Thames-Side Studios, UK). Her work was awarded the Kate Barton Award (2014), the Brian Botting Prize (2015), the Clyde & Co Art Award Collection (2015), the Eaton Fund (2019) and the Hedera Felix editorial mentorship (2020).
www.emapina.com